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martes, 25 de noviembre de 2014

'MECANISMOS INCONSCIENTES DEL HORIZONTE' MIGUEL ÁNGEL MORENO CARRETERO

LA FABRICA
C/ Verónica 13  -  MADRID
Del 27 de Noviembre 2014 hasta el 11 de Enero del 2015


La Fábrica acoge la nueva exposición de Miguel Ángel Moreno Carretero, Mecanismos inconscientes del horizonte. Un proyecto de investigación que documenta y localiza más de un centenar de pseudo-esculturas de carácter publicitario situadas, en su mayoría, en las cercanías de las carreteras de la geografía española. Las 39 imágenes de la muestra, que forman parte de un inconsciente colectivo, están dotadas de un evidente componente narrativo salpicado de guiños irónicos e incluso humorísticos y cierto sentido utópico. Una obra que combina la fotografía con las instalaciones e intervenciones sobre el paisaje y los espacios públicos patrios. Un catálogo detallado de esos ‘museos al aire libre’ creados por el hombre que podrá visitarse del 27 de noviembre al 11 de enero.

Viajero tenaz desde niño, cuando realizada largos viajes por carretera junto a su padre, Moreno decidió hace seis años profundizar más en su trabajo con el paisaje a través de una incipiente colección de mobiliario publicitario situado en esos límites del paisaje.Mecanismos inconscientes del horizonte traza un mapa de la Península Ibérica de manos de un apasionado del paisaje que ha encontrado innumerables lugares determinados por la mano del hombre y que le obligaron a detener su ruta para fotografiar esas esculturas anónimas, hijas de un tiempo. Artefactos publicitarios y señalizadores, vinculados al comercio y desprovistos de cualquier intención artística inicial que conforman una colección de fotografías que evocan un período de tiempo claramente identificable en el paisaje español y posiblemente, en peligro de extinción.

«Los elementos publicitarios son tratados por quienes los han situado en el territorio como esculturas públicas intencionadas que significan al territorio que ocupan. Hablo de elementos a priori distantes como el arte y la sociedad de consumo, las combinaciones, la alquimia del objeto y sus posibilidades comunicativas. Me gusta la poética del arte y la capacidad que tiene de evocar pensamientos. De ser una posición ante la vida. Por otro lado, me apasionan las armas de seducción de la publicidad para dirigir a la gran mayoría hacia un mismo destino: el consumo», explica Moreno Carretero.



Sobre el artista

Miguel Ángel Moreno Carretero (El Carpio, Córdoba, 1980), lleva a cabo un trabajo multidisciplinar, combinando los géneros tradicionales y la instalación, mostrando un especial interés por las intervenciones, sobre todo paisajísticas, en los espacios públicos.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y ha sido galardonado con premios como el Pepe Espaliú, Desencaja, Beca de Artes Nobles o el Premio de arte Joven de la Junta de Andalucía. Fue residente de la tercera promoción de la Fundación Antonio Gala y obtuvo en dos ocasiones la Beca de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y Fundación Rodríguez Acosta.

Su obra ha sido expuesta en ferias de arte y centros de arte como MACO, (México) Art Beliege (Bélgica), Centro Matadero (Matadero), Just Madrid (Madrid), Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), CAC (Málaga), Casa Góngora (Córdoba), Capela de Santa María (Lugo), Torres Hejduk, (Santiago de Compostela). Su obra forma parte de las colecciones de las diputaciones de Córdoba y Burgos, CDAN de Huesca y el Museo de Jaén. Paralelamente ha desarrollado su labor como gestor cultural en Scarpia (Jornadas de arte público en El Carpio), con más de doce años de existencia.
 

 

lunes, 24 de noviembre de 2014

PLATA DE LEY

Galería Blanca Berlín
Calle del Limón, 28  -  MADRID
Del 26 de Noviembre del 2014 al 10 de Enero del 2015
Exposción Colectiva

“Dícese de la aleación de plata que corresponde a plata de 925 milésimas (7,5% de cobre electrolítico). Esta plata es la más adecuada para trabajar por sus características de dureza, fiabilidad, ductilidad y belleza”

En esta exposición encontramos una amalgama de componentes (autores) que conforman una aleación útil de trabajo: Plata de Ley. En la muestra hay una característica común: La apariencia “real”. La mirada del autor necesita expresar la representación de la naturaleza y lo que ocurre en ella: la mimesis. La mimesis que impronta la violenta necesidad de muestra, de imitación, de representación, de aprendizaje…

Andrea Sánchez-Elía, Flore, Juan Carlos Vázquez y Rubén Morales son los artistas que exponen esta maravillosa muestra.

©-Juan-Carlos-Vazquez.-Etiope-niña-Harar

©Andrea-Sanchez-Elía



  ©Flore.-ChosesvuesduSiam


viernes, 21 de noviembre de 2014

Ricardo López Bueno y el "paisaje interior"

Centro Niemeyer de Aviles
Del 21 de Noviembre al 18 de Enero

El Centro Niemeyer de Avilés acoge la exposición fotográfica "Paisaje interior" de Ricardo López Bueno, que se inaugura el viernes 21 de noviembre de 2014, a las 12.30 horas, y permanecerá abierta al público hasta el 18 de enero de 2015. La muestra consta de 29 grandes retratos a color de 1'20 x 1'60 cm., un proyecto que el autor ha realizado a lo largo de un año y que constituye su primera exposición individual. Para que posen Ricardo López Bueno busca gente normal, sin rasgos destacados, ya que le interesa más la persona, la sinceridad de cada retratado. Los fondos oscuros y la estudiada sencillez de las poses ayudan a conseguir unos retratos de gran pureza. Comisariada por Agnès de Gouvion Saint-Cyr la muestra ha sido organizada por diChroma photography.

Los paisajes del alma

Desde sus orígenes, la fotografía, que ofrecía la cualidad genérica de reproducir "mecánicamente” la realidad como una verdad indefectible —o eso se pensaba— se fue infiltrando poco a poco en el molde de los géneros pictóricos clásicos para ejercer como tal. De este modo, la representación del paisaje que permitía revelar a los profanos la belleza de la naturaleza, así como documentar las tierras remotas hasta entonces desconocidas, conoció un desarrollo enorme a lo largo del siglo XIX, hasta crear, con el tiempo, una estética específica.

Paralelamente, el arte del retrato, inspirándose directamente en los códigos de la pintura, oscilando entre la imagen exacta y supuestamente objetiva del modelo, la evocación de la belleza o la originalidad del tema y, por encima de todo, el acto mágico contra la muerte, sigue encerrando una singularidad sin par. Efectivamente, se construye en el marco de una trilogía en la que cada papel está perfectamente definido, y ese juego sabiamente organizado entre el artista, su modelo y el espectador, es moderado evidentemente por el artista.

Ricardo López Bueno ha escogido así voluntariamente un enfoque clásico pero muy personal que afirma unas opciones rigurosas, precisas y sin concesiones. Para realizar sus obras, juega con las cuestiones tradicionales del punto de vista —personajes sentados, a menudo de tres cuartos y en interiores—, el encuadre —planos ceñidos al rostro o al busto para captar mejor la personalidad del modelo—, la luz —con la presencia permanente de una doble iluminación artificial para hallar el sentido del volumen—, el decorado —lo más neutro posible, es decir, la persona destacando sobre un fondo negro con ropa corriente—, y la elección de los modelos, que prefiere sencillos y anónimos.

Efectivamente, la parte esencial de su trabajo se sitúa en ese diálogo privado y sensible que entabla largamente con la persona; en ese sentido las pruebas de contacto son apasionantes, pues muestran la evolución de las expresiones del modelo en el silencio del taller, hasta que todos los elementos citados encuentran su justa medida para traducir mejor el sentimiento que Ricardo experimenta ante su personaje.

Es evidente que la fuerza de estos trabajos reside particularmente en la expresión de la mirada, elaborada cuidadosamente, que hace brotar las emociones y, a menudo evocando el pasado, recoge cual espejo la imagen del alma, íntima, fugaz y contenida; de este modo lo inefable se pone de relieve.

Dan comienzo entonces dos operaciones esenciales: la elección de las imágenes y la definición final del formato de las obras. De todas esas tomas en ocasiones tan diferentes entre sí, Ricardo selecciona la que responde a sus intenciones y sus expectativas para posteriormente, en función del uso que vaya a dar a la imagen, realizar las tiradas él mismo; el pequeño formato encontrará su lugar en el marco familiar, el formato medio podrá acabar en el gabinete de un coleccionista y el gran formato, expuesto a la vista del espectador, se unirá a la galería de retratos que ofrece el museo.

Esta exposición revelará así el talento del artista, pero también, sin duda, una parte de sí mismo.
 
 Agnès de Gouvion Saint-Cyr


martes, 18 de noviembre de 2014

Horizontes Falsos - Alberto García Alix

Maison Européenne de la Photographie
5/7, rue de Fourcy
75004 paris  

Oct 22, 2014 — Jan 25, 2015
 

Alberto García Alix deconstruye la realidad a través de la fotografía. Un transito emocional a través de su propia imaginación: paisajes urbanos, abstractas naturalezas muertas, retratos y autorretratos.
 
La Maisón Européenne de la Photographie muestra una amplia selección de imágenes inéditas de su último trabajo. 
 
Alberto describe así su trabajo: "Un mundo de presencias modificadas tomadas en un momento de silencio eterno. La visiblilidad es aquí una metáfora de si mismo o un pensamiento. Un pensamiento, una revelación convertida en un monólogo que tiende hacia el horizonte. Un falso horizonte....."
 
La exposición ha sido realizada gracias al apoyo de la Galería kamel mennour y de la Galería Juana de Aizpuru. La AC/E (Acción Cultural Española), es también partenaire de la exposición. 
 




Sigalit Landau - La danza fenicia de la arena

Capella MACBA. Exposición del 21 de noviembre de 2014 al 15 de febrero de 2015
Museu d’Art Contemporani de Barcelona
Plaça dels Àngels, 1
08001 Barcelona



El paso del siglo XX al siglo XXI ha dejado marcas profundas en la configuración del mundo y, en consecuencia, en cómo podemos representarlo. La consolidación de la globalización económica, la caída del muro de Berlín, el desmembramiento de la Unión Soviética y la aparición de nuevas entidades políticas en Europa supusieron un rediseño de fronteras, capitalidades, centros y periferias: nuevos mundos dentro del viejo mundo. La destrucción de las Torres Gemelas en Nueva York el 11 de septiembre del año 2001 significó el auténtico fin del siglo XX, denominado hasta hace muy poco tiempo «el siglo de la imagen».

En este contexto de cambio de era, a mediados de la década de 1990 se inicia el trabajo de Sigalit Landau, autora de una obra escultórica en la que aborda la gestión de símbolos, imágenes y narraciones propias de su condición histórica, personal y cultural.

La danza fenicia de la arena extrae su título de la presencia casi constante de la arena, la playa y el mar, como topos de ejecución de los rituales performativos que constituyen el núcleo de la obra videográfica de Landau. Esta exposición, que reúne obras realizadas desde finales de la década de 1990 hasta hoy, se centra por primera vez, en este medio en el que Landau hace escultura con cuerpos vivos y objetos que interactúan entre sí. Las esculturas en vídeo de Landau condensan un tiempo en el que las acciones parecen no tener ni principio ni fin. No son narrativas sino descriptivas: narran la ausencia de progreso y mejora, describen la necesidad del otro, ya sea en el juego, en la supervivencia o en el conflicto.

Exposición organizada y producida por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA). Comisariada por Bartomeu Marí.

Capella MACBA: Carrer dels Àngels, 7. 08001 Barcelona

Horarios: Laborables, de 11 a 19.30 h. Sábados, de 10 a 21 h. Domingos y festivos, de 10 a 15 h. Martes no festivos, cerrado. Lunes, abierto
 


Distancias cortas y soledades compartidas

REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA
C/ Tres Peces, 2
MADRID
Del 13 al 29 de Noviembre


Distancias cortas y Soledades compartidas son dos proyectos paralelos que giran en torno al género del retrato. A principios del año 2011, Xavier Gómez decidió documentar su día a día a partir de la idea de retratar a aquellas personas que solía encontrarse en los lugares que él solía frecuentar. Lo que en un principio parecía que tenía que devenir en un proyecto muy acotado y de corto recorrido, terminó por convertirse en todo lo contrario, adía de hoy se han realizado más de 1400 retratos y el proyecto sigue su curso. La presente muestra recoge una reducida selección de ambos proyectos, compuesta por una serie de retratos individuales y otra de retratos de parejas pertenecientes a la serie que fue seleccionada en la última edición de Descubrimientos PHotoEspaña ‘14.
 


Xavier Gómez cursó estudios de Fotografía en la década de 1980 impartidos por Manel Úbeda y Joan Fontcuberta en CEI, Centro de Enseñanzas de la Imagen y de Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Entre 1988 y 2001 se dedicó exclusivamente a su trabajo como arquitecto y a partir del año 2002, decidió retomar nuevamente sus estudios de fotografía. Tras una segunda etapa de formación autodidacta en la que fotografía y collage transcurrían por caminos paralelos, decidió profundizar en ambos campos asistiendo, entre otros a los seminarios impartidos por la Fundación Joan Miró de Barcelona en torno a los maestros del collage de Picasso a Rauschenberg. En 2009 fue invitado por la Fundación Robert Rauschenberg al memorial celebrado en recuerdo de R.R. en el Peggy Guggenheim Collection de Venice y posteriormente prosiguió con sus estudios, asistiendo a los Seminarios organizadas por el MACBA, en torno al artista John Baldessari entre otros.